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EXPERIENCIA VIAJERA

La finalidad de este pequeño viaje es la unión de las tierras, las culturas y costumbres de cada rincón del mundo. Estar al tanto  e instruirse según las Otredades, y saber hasta que punto  se pueden compartir desde la experiencia individual del ser humano, colocando límites de respeto en cuanto las diferencias tradicionales y las costumbres.

Siendo a la vez una experiencia la cual nos hace  crecer  no solo culturalmente e intelectualmente sino también crecemos de una manera espiritual, pues se aprende a vivir con lo necesario, y lo realmente importante es la oportunidad de conocer y gozar sin importar lo poco que se tenga en cuanto a comodidades, en cada una de las visitas a cada país donde se valla; por otra parte en este viaje como aprendizaje es el valorar lo poco que se tiene,  aprender  a querer el país natal, la familia, y los amigos. Toda esta aventura  se realizo por etapas y para seguir avanzando hay que instruirse y  aprender durante el transcurso del viaje, enfrentando los riesgos y cultivando una actitud humilde de acuerdo a las situaciones, creyendo que cada día se vivirá con más fuerza y disposición por la acumulación de experiencias y enfrentando cada situación y acto con mucho optimismo.

 QUIERO EMPEZAR ESTE VIAJE POR  ESTADOS UNIDOS - NEW YORK

SENCILLAMENTE MAGNIFICO Y MONUMENTAL

Desde las brillantes luces de Broadway hasta los míticos escenarios del Lincoln Center; desde los bailes de las Rockettes en el Radio City Music Hall hasta las actuaciones de vanguardia en en la Brooklyn Academy of Music (BAM), Nueva York sigue siendo uno de los centros culturales mas vibrantes y diversos del mundo. Como dijo una vez el escritor Tom Wolfe: "La cultura parece flotar en el aire, como si fuera parte del tiempo".

SABIAS QUE?

Broadway es la Avenida más larga de Nueva York con una longitud de 33 kilómetros, y su nombre deriva del holandés "breede wegh" que significa camino ancho.

En Times Square, el anuncio luminoso más barato es el de la Coca-Cola que paga "sólo" 1 millón de dólares al año debido a un antiguo contrato.

La inscripción que reza en la base de la Estatua de la Libertad "Give me your tired, your poor ...", es el poema titulado "The New Colossus" escrito por la poetisa neoyorquina Emma Lazarus en 1883 con el fin de recaudar fondos para construir el pedestal.
The New Colossus
Not like the brazen giant of Greek fame,
With conquering limbs astride from land to land;
Here at our sea-washed, sunset gates shall stand
A mighty woman with a torch, whose flame
Is the imprisoned lightning, and her name
Mother of Exiles. From her beacon-hand
Glows world-wide welcome; her mild eyes command
The air-bridged harbor that twin cities frame.
"Keep ancient lands, your storied pomp!" cries she
with silent lips. "Give me your tired, your poor,
Your huddled masses yearning to breathe free,
The wretched refuse of your teeming shore.
Send these, the homeless, tempest-tost to me,
I lift my lamp beside the golden door!"

SITIOS A VISITAR 

TERRAZA DEL METROPOLITAN MUSEUM

Para completar la información que comentaba hace poco sobre los bares en las terrazas hace falta citar la del Metropolitan Museum, que los fines de semana (viernes y sábados) de verano cuenta con un Martini Bar a partir de las cinco y media de la tarde y hasta las 9 de la noche. Mejor ir tarde porque el sol aprieta en verano. Además de las bebidas, se puede disfrutar de las vistas sobre Central Park y este año de una exposición de tres esculturas de Koon.

GRACE BUILDING

Uno de los edificos más curiosos de Nueva York es el Grace Building, en la calle 42, enfrente de Bryant Park. Hay otro edificio parecido, también con fachada circular en la calle 57, el Solow Building.

SOHO

Soho Park es un sitio informal para comer en el Soho neoyorquino. Se puede tomar cerveza, perritos, hamburguesas, patatas fritas. Pero, con un toque moderno y con una pequeña terraza. Es un sitio sin pretensiones pero muy agradable. Se encuentra entre Lafayette y Prince.

VIDEOS:

 http://www.youtube.com/watch?v=aqlJl1LfDP4 New york - frank sinatra

http://www.youtube.com/watch?v=uYGcDOJCf7Q home making of new york

 Y AHORA DESPUES DE DISFRUTAR UN POCO NEW YORK, DE SUS SITIOS TURISTICOS Y SU CULTURA VAMOS DIRECTO AL  PAIS MAS HERMOSO DE TODOS Y POR ENDE EL QUE ES MI PAIS NATAL.

COLOMBIA

 Bienvenido a Colombia, un país tropical de increíble diversidad y encanto. Su variada geografía, su historia llena de misterios y aventuras, sus gentes y culturas han fascinado al mundo durante siglos; Un  país con multiplicidades artísticas y riquezas musicales extensas probablemente dado de la unión de las diferentes culturas, las cuales se han disperso por todo este gran territorio; Es reconocida a nivel mundial por la producción de café suave, flores, esmeraldas, carbón y petróleo, su diversidad cultural y por ser el segundo de los países más ricos en biodiversidad del mundo.

 EN CUANTO A LA MUSICA PRESIDEN LOS RITMOS AFROCARIBEÑOS

EL BAMBUCO

  bambuco es una danza y un género musical colombiano autóctono, considerado uno de los más representativos de ese país, tanto que ha llegado a ser reconocido entre los emblemas nacionales y como parte del folclore de esta nación.

 El bambuco está enmarcado totalmente en los aires campesinos del país. Posee un marco y un sabor de campo, descriptivo, romántico y nostálgico a veces, pero también se ha utilizado ampliamente para expresar el orgullo y la altivez por la tierra y la raza, tal como lo expone la composición "Soy colombiano" del maestro Rafael Godoy; Es, sin duda alguna, la máxima expresión del folclore andino colombiano. Son muy variadas las versiones en cuanto a su origen, siendo quizás la más generalizada la de su origen africano

 Trajes típicos

 ...Me oculto, de aquel muro que levanto mi espíritu, antes de ser arruinado por esta maldita realidad abrumadora, solo hay, solo hay, en aquel muro de paredes te encuentro; mi amor soñado"... 

- otra copa señor?

Por favor.

Amor soñado... esperado....

 -- Verdi!!?   Eres tu?

 ¡Basilio! Que haces en este bohemio antro?, Te creía en Paris, asediando tus metas y por supuesto modernizando a cada instante tu percepción del mundo.

 --Vamos, mi gran amigo no soy yo el motivo que te tiene así, no soy la razón del mundo que decidiste vivir, pero quizás podré ser tu compañero de viaje hacia aquel mundo perfecto que tratas de idealizar para ti y para lo que eres, no te parece?

Estoy de acuerdo contigo amigo, perdóname por la  manera de afrontarte, pero amigo compréndeme no tengo la culpa de querer tener un mundo mejor en mis desgastadas y temblorosas manos; amigo de vida y compañero de búsqueda, de poder dejar a un lado la razón y  encontrar la hermosura, en donde basilio dejaras tu la noción del arte, dentro de mi temerosa escritura?  

No lograras convencerme esta vez Verdi, esta vez no, quizás para llegar a una labor nueva, innovadora y única en el mundo, es básicamente investigar al menos, sobre aquellas obras mas sobresalientes; y también conozco un poco el trabajo de W. Wordsworth, aunque desde mi punto de vista intentar salvar solo lo mágico de un mundo que por concepto y en medio de su deterioro no es distinguido, mientras sea este un mundo cambiante, sabes no soy un artista que mira solo lo bello, mi placer esta en rediseñarme día a día experimentando, con este arte de cada nueva idea de mi mismo.

Camina, Basilio, no olvides lo extraordinario y único, por el resplandor de lo nuevo, que a pesar de ser cierto es demasiado intangible para el ser humano, este siempre ha necesitado de una fuerza del mas allá, un destello que despierte sus deseos de salir adelante, no solo podríamos ir de acá para allá, en un cielo de emociones, colores y un poco de aquello que no nos gusta sentir dolor...

-- quizás yo si lo lograría, Verdi, quizás si!!!

 Quizás no sea el todo y no lo pretendo ser de mi obra; solo soy una parte de un legado, una labor que desde en tiempos pasados se ha construido por quienes participamos en aquellos gustos similares sensoriales.

Amigo recuerdas hace tiempo, cuando escribí mi mas grande orgullo, mi obra? Aquel día me senté y atendí por varias horas la obra de beethoven y así logre llegar a percibir su naturaleza, entendí su inspiración la cual lo llevo a lograr un excelente trabajo, y sabiendo aun que su trabajo se precisa entre el clasicismo y el romanticismo y ha sido mi aliado dentro de mi labor. Quizás algún día mi amigo entiendas y comprendas estas palabras.

 Te escucho e imagino a aquellos viejos de época, Verdi, abre tus ojos y mira hacia el nuevo mundo, debes hacer nuevas cosas, probar y experimentar cosas nuevas, porque sinceramente yo me quedare con la poesía vanguardista y que sea mejor escrita, no se, quizás.... F. Espino Licsí!! Otra copa por favor, una dama hermosa a la cual encantar mientras leo y de fondo música de Debussy!!! Eso es como estar vivo, coger el mundo con mis manos, sin miedo,  sin cordura, solo tocarla con mi espíritu.

 Bueno mi radiante amigo tal vez la próxima vez, si el destino lo decide no encontraremos de nuevo, quizás te convenza que no somos aquellos amigos, de que ese no en mi nombre y de que esto no es antro bohemio sino el lazareto en donde habitas hace años, años de olvido de una realidad existida...

CONOZCAMOS A ESTOS DOS GRANDES COMPOSITORES DE LA MUSICA, EMPEZEMOS CON  NUESTRO AMIGO:

Bonn, actualmente Alemania, 1770 - Viena, 1827) Compositor alemán. Nacido en el seno de una familia de origen flamenco, su padre, ante las evidentes cualidades para la música que demostraba el pequeño Ludwig, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque con escaso éxito.

La verdadera vocación musical de Beethoven no comenzó en realidad hasta 1779, cuando entró en contacto con el organista Christian Gottlob Neefe, quien se convirtió en su maestro. Él fue, por ejemplo, quien le introdujo en el estudio de Bach, músico al que Beethoven siempre profesaría una profunda devoción.

Los últimos años de la vida de Beethoven estuvieron marcados también por la soledad y una progresiva introspección, pese a lo cual prosiguió su labor compositiva, e incluso fue la época en que creó sus obras más impresionantes y avanzadas.

 OBRAS

En su prolífica trayectoria musical, Beethoven dejó para la posteridad un importante legado: nueve sinfonías, una ópera, dos misas, tres cantatas, treinta y dos sonatas para piano, cinco conciertos para piano, un concierto para violín, un triple concierto para violín, violonchelo, piano y orquesta, dieciséis cuartetos de cuerda, una gran fuga para cuarteto de cuerdas, diez sonatas para violín y piano, cinco sonatas para violonchelo y piano e innumerables oberturas, obras de cámara, series de variaciones, arreglos de canciones populares y bagatelas para piano.

SINFONIAS

SU PRODUCCION INCLUYE LOS GENEROS:

Pianísticos: 32 sonatas para piano

De cámara: 16 cuartetos de cuerda, 7 tríos, 10 sonatas para violín y piano

Vocal: líder y una ópera: Fidelio

Concertante: 5 conciertos para piano y orquesta, uno para violín y orquesta

Orquestal: 9 sinfonías, oberturas, etc.

Así como el ciclo de las Nueve Sinfonías, entre ellas la Tercera Sinfonía. también llamada Eroica, en mi mayor, la Quinta Sinfonía, en do menor y la Novena Sinfonía, en re menor (cuya música del cuarto movimiento, está basada en la Oda a la Alegría de Friedrich von Schiller y fue elegida como Himno de la Unión Europea).

VEAMOS ALGUNAS DE ELLAS DE UNA MANERA MAS DETALLADA

Primera y Segunda sinfonías

Beethoven había cumplido los 30 años de edad cuando presentó su Primera Sinfonía (Op. 21), fascinando a sus contemporáneos por su frescura y originalidad. La obra está dedicada al Barón van Swieten, amigo de Mozart y uno de los primeros protectores de Beethoven en Viena. Mucho se ha hablado del original inicio de esta sinfonía, pues arranca con un acorde distinto a la tonalidad principal de do mayor.

Tercera y Cuarta sinfonías

 Dos años más tarde, Beethoven rompió todos los moldes clásicos con su Tercera Sinfonía en mi ♭ mayor (Op. 55), llamada Eroica. Esta sinfonia  dura dos veces más que cualquier otra de la época, la orquesta es más grande y los sonidos son claramente anunciadores del Romanticismo musical. La obra se compone de un primer movimiento (Allegro con brío) de una duración aproximada de 20 minutos: hasta esa fecha no se había compuesto un movimiento sinfónico tan extenso. Del segundo movimiento, una «Marcha fúnebre» (Adagio assai), se ha dicho que al enterarse de la muerte de Napoleón, Beethoven comentó «Yo ya escribí música para este triste hecho». El tercer movimiento es un agitado scherzo (Allegro vivace), en el que se recrea una escena de caza; destaca el uso de las trompas. El Finale (Allegro molto) evoca una escena de danza y es apoteósico, con una gran exigencia de virtuosismo para la orquesta.

 la Quinta sinfonía.

En 1808, Beethoven compone la Quinta Sinfonía (Op. 67). Esta sinfonía en do menor destaca principalmente por la construcción de los cuatro movimientos basados en cuatro notas (tres corcheas y una negra), las cuales abren la obra y retornan una y otra vez dando a la sinfonía una extraordinaria unidad. Para el músico significaban «la llamada del destino». El segundo movimiento es un hermoso tema con variaciones. El tercer movimiento, scherzo, comienza misteriosamente y prosigue salvajemente en los instrumentos de viento-metal con una forma derivada de la «llamada del destino»; un pasaje tejido por los pizzicato de los instrumentos de cuerda se encadena sin pausa con el triunfal cuarto movimiento, allegro, y que posee una destacada coda. Los románticos admiraron mucho esta obra y las tres corcheas con una negra del inicio son quizá la firma más personal de Beethoven.

 Ópera y música vocal

Beethoven se centró sobre todo en la música orquestal, compaginándola con la musica de camara y para piano. También intentó desarrollar obras vocales, aunque con suerte muy diversa. Por ejemplo, su única ópera escrita, Fidelio, revisada desde 1805 hasta 1814, fue un fracaso el día de su estreno. El músico tuvo que esperar hasta el 23 de mayo de 1814 para ser aclamado entusiásticamente por un público enfervorizado. La nueva versión representaba para el público más que la recreación de los principios de la ilustracion, como fue su primer objetivo en 1805, la celebración de las victorias sobre Napoleón y como una alegoría de la liberación de Europa. Fue entonces cuando, ruborizado ante tales muestras de apoyo y cariño del público, escribió en su libro de conversaciones: «es evidente que uno compone más bellamente cuando lo hace para el gran público». Se trataba, sin duda, del mismo compositor que había gritado al editor, tras el desastre de su primer Fidelio: «no compongo para la galería, que se vayan todos al infierno», nueve años antes.

Lo cierto es que Beethoven no mostraría particular interés en escribir óperas. Un proyecto largamente conversado con Goethe para transformar en opera el fausto no llegaría jamás a concretarse por razones desconocidas hasta hoy. Sin embargo, algunos autores, basados principalmente en anotaciones del propio Beethoven, han descrito algunas de sus sinfonías como «óperas encubiertas». Tal carácter ha sido asignado tanto a la Sexta Sinfonía como a la Tercera.

 PODRAN APRECIAR UNOS VIDEOS DE ESTE GRAN ARTISTA EN LOS SIGUIENTES LINKS:

http://www.youtube.com/watch?v=vQVeaIHWWck

http://www.youtube.com/watch?v=LQTTFUtMSvQ

http://www.youtube.com/watch?v=YAOTCtW9v0M&NR=1

FIDELIO" la unica opera que escribio en su vida,  la cual escribio tres (3) veces ya que siempre busco la perfeccion sin importarle la cantidad, sino tratar de hacer la musica como realmente la sentia y visualizaba por asi decirlo.

La obra relata el intento de Leonore, disfrazada como Fidelio, de entrar en la prisión para poder salvar a su marido o al menos llevarle consuelo. Tras una serie de escenas, Fidelio encontrará a su amado y lo salvará. Es por tanto un argumento no solo a la lealtad o a la fidelidad, sino también a la libertad.

 AHORA SIGAMOS CON NUESTRO AMIGO

Wolfgang Amadeus Mozart

Cuyo nombre completo era Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart,(Salzburgo, Austria, 27 de enero de 1756 - Viena, Austria, 5 de diciembre de 1791), fue un compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.

La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época y alcanza más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión universales.

En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevada a la categoría de mito.

 Estilo y valoración musical

 Mozart aparece hoy como uno de los más grandes genios musicales de la historia. Fue excelente pianista, organista, violinista y director y destacaba por sus improvisaciones, que solía realizar en sus conciertos y recitales.

La música de Mozart, al igual que la de Joseph Haydn, es presentada como un ejemplo arquetípico del estilo clásico. En la época en la que comenzó a componer, el estilo dominante en la música europea era el estilo galante, una reacción contra la complejidad sumamente desarrollada de la música del Barroco. Pero cada vez más, y en gran parte en las manos del propio Mozart, las complejidades del contrapunto del Barroco tardío surgieron una vez más, moderado y disciplinado por nuevas formas y adaptado a un nuevo entorno estético y social. Mozart fue un compositor versátil y compuso en cada género principal, incluyendo la sinfonía, la ópera, el concierto para solistas y la música de cámara. Dentro de éste último género, realizó composiciones para diversas agrupaciones de instrumentos, incluyendo el cuarteto y el quinteto de cuerda y la sonata para piano. Estas formas no eran nuevas, pero Mozart realizó avances en la sofisticación técnica y el alcance emocional de todas ellas. Casi sin ayuda de nadie desarrolló y popularizó el concierto para piano clásico. Compuso numerosas obras de música religiosa, incluyendo una gran cantidad de misas; pero también muchas danzas, divertimentos, serenatas y otras formas musicales ligeras de entretenimiento. También compuso para cualquier tipo de instrumento.

 http://www.youtube.com/watch?v=2VD1SqWQXrE

http://www.youtube.com/watch?v=aZD9nt_wsY0

EL EFECTO MOZART

 La expresión "Efecto Mozart" se refiere a los efectos que puede producir a personas escuchar las melodías de W. A. Mozart. La década de 1990 marcó el surgimiento en Estados Unidos de muchas investigaciones y libros de divulgación basados en el famoso "Efecto Mozart": una pequeña y temporal elevación de los puntajes de ciertos tests como consecuencia de escuchar música de Mozart. La versión popular de la controvertida teoría fue expresada sucintamente por un columnista musical del New York Times: "Investigadores han determinado que oír a Mozart te hace más inteligente". Los promotores que venden cds dicen que induce ese efecto. Florida dio una ley que exige que en las escuelas estatales se escuche música clásica a diario, y en 1998 el gobernador de Georgia dio un presupuesto de $105,000 anuales para que cada niño que naciese en su estado tuviese un caset  un CD de música clásica. Uno de los investigadores del proyecto original comentó: "No creo que haga daño. Yo apoyo que los niños sean expuestos a experiencias culturales maravillosas. Pero creo que el dinero podría ser mejor invertido en los programas de educación musical".

   Su relación con el sistema auditivo

El sistema auditivo se desarrolla en un momento muy temprano en el feto: en el quinto mes de gestación el bebé ya empieza a reaccionar a los estímulos sonoros de su madre. El autor de estas investigaciones, Don Campbell, propone que el niño, desde su etapa fetal sea estimulado musicalmente por su madre. De este modo, mejorará su crecimiento, su desarrollo intelectual, físico y emocional y su creatividad. Con esto, se refuerzan los lazos afectivos madre e hijo. Este científico norteamericano explica por qué es la música de Mozart y otros compositores, y no la de otros estilos, la que induce estos efectos sobre el cerebro.             Este efecto también sigue dando buenos resultados durante los primeros cinco años de vida, estimulo capaz de formar seres inteligentes pero además emocionalmente sanos.También se ha realizado en simios. No obstante debe tenerse cuidado de no saturarlo. La música al igual que otros ejercicios de estimulación debe ser dosificada; no más de 10 minutos dos veces al dia es suficiente, en horarios entre las 7:00 y 10:00 de la mañana y 7:00 y 10:00 de la noche, ya que los momentos de juego y sueño del bebe pueden aprovecharse para escuchar esta música. En los adultos, Mozart y otros autores de la época provocan estados de relajación y también les estimula la inteligencia, por lo que no esta de más poner atención a unas cuantas composiciones.

 http://www.youtube.com/watch?v=OdqyJYLXzW4

LES RECOMINEDO OTROS  VIDEOS DE NUESTRO AUTOR:

http://www.youtube.com/watch?v=0Gx-N-kdIXk

http://www.youtube.com/watch?v=h018rMnA0pM

  Y POR ULTIMO UNA REFLEXION DE ESTOS AUTORES, VEAMOS:

El Surrealismo

 es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaismo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta Andre Breton. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.

El surrealismo coincidió con el fin de la Primera Guerra Mundial y con la comienza de la Segunda Guerra Mundial, hasta 1924 desde 1929. Interviniendo  mas de catorce países, y era el primer movimiento, después de romanticismo, con una influencia internacional y un auditorio internacional.

La pintura surrealista

se manifiesta de dos modos distintos, uno es el automatismo y otro, el onirismo. En el primer caso los artistas optan por un lenguaje basado en el automatismo, de manera que los elementos del cuadro surgen del inconsciente del artista, así como de la intervención del azar. Dentro de este grupo se encuentran André Masson, que ya en 1924 realizó numerosos dibujos automáticos, en los que la pluma se deslizaba libremente sobre la superficie del papel o de la cartulina, sin hallarse supeditada a ningún tipo de norma. Algo después Masson efectuó sus famosas pinturas de arena. El artista colocaba las telas en el suelo, dejando caer sobre ellas un reguero de cola. Más tarde, echaba arena y, al disponer la tela verticalmente, ésta se adhería sólo donde estaba la cola, adoptando caprichosas configuraciones. La pintura quedaba concluida cuando el artista realizaba una serie de trazos libres con pintura. Surgían de este modo pinturas que denotaban un grado máximo de libertad y pretendían ser la exposición directa del inconsciente.

Los artífices del surrealismo

Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.

Algunas de las técnicas surrealistas

El cadáver exquisito

Si bien tomó elementos del cubismo y el dadaísmo, el movimiento surrealista buscó la innovación recurriendo a nuevos materiales y, muy especialmente, a técnicas nunca antes empleadas. La técnica más conocida y practicada dentro del grupo fue la del cadáver exquisitoque, de manera análoga al automatismo, intentaba reducir al mínimo la intervención posible de la voluntad conciente del autor. El cadáver exquisito (cadavre exquis, en francés) fue una técnica usada por los surrealistas en 1925 y consistía en una creación colectiva que se va continuando sin que los autores conozcan la obra del autor anterior. Los surrealistas escribían o dibujaban en un papel, lo doblaban - de manera que quedase oculto lo escrito - para que el siguiente autor continuara la obra. Al desplegar la hoja se obtenía un montaje de imágenes inconexas que formaban una nueva imagen.

El compromiso político

En diciembre de 1924 el movimiento surrealista encuentra en La revolución surrealista, fundada por Pierre Naville y por Benjamin Péret, su poderoso medio de expresión. En 1930, la revista pasa a llamarse El surrealismo al servicio de la revolución, traduciendo la orientación política del movimiento (que se había adherido al partido comunista en 1927).

El compromiso político del movimiento como la personalidad de André Breton fueron la causa una serie de de revueltas y desmembramientos (los de Artaud, Vitrac y Soupault, en particular,) al final de los años veinte: el Segundo Manifiesto surrealista, publicado en 1929, señaló por su parte la adhesión de nuevos miembros (René Char, Francis Ponge, Joë Bousquet, Brille Buñuel, Georges Sadoul, etc.) y la reconciliación de Tristan Tzara con André Breton.

Pintores del Movimietno Suerrealista

  Max Ernst

(Bruhl, 2 de abril de 1891 - † París, 1 de abril de 1976) fue un artista alemán nacionalizado francés que fue una figura fundamental tanto en el movimiento dada  como en el surrealismo. A lo largo de su variada carrera artística, Ernst se caracterizó por ser un experimentador infatigable, utilizando una extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales. En todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo extradimensional de los sueños y la imaginación.

Salvador Dalí                                                                                                                  

Figueras, 11 de mayo de 1904 -Figueras, 23 de enero de 1989)  primer marqués de Púbol, fue un pintor surrealista español nacido en Cataluña

Pintor, escultor, diseñador, escritor y cineasta español. Salvador Dalí nació en una madrugada de la primavera de 1904 en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario bienpensante y de una sensible dama aficionada a los pájaros.

Joan Miró (1893-1983)

Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción. Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. La obra clave en su evolución es El carnaval del arlequín (1924).

Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional.

René Magritte

Lessines, Bélgica, 21 de noviembre de 1898 - Bruselas, Bélgica, 15 de agosto de 1967) fue un pintor surrealista belga.

Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

William Baziotes

(Pittsburgh, 1912-Nueva York, 1963) Pintor estadounidense. Se formó en la National Academy of Design de Nueva York y en 1948 fundó una escuela de pintura junto con Motherwell, Newman y Rothko. Obras como Cíclope (1947) evidencian su paso a la abstracción sin renunciar al surrealismo.

EXPOSICION DE PINTURA SURREALISTA

Fue pintado durante su servicio militar, es una colección de recuerdos. En relación con las moscas, dijo, "...la dosis de acción que los Dioses emplean para indicar a los hombres, la vía hacia uno de las leyes más intrincadas del universo"

Con elementos tales como piedras, insectos, conchas marinas y huecos, Dalí expresa sus complejos sentimientos hacia su madre, con la cual había estado muy ligado. La roca con huecos, es el elemento central de otra pintura de Dalí: "El complejo de Edipo" (1930). La cercanía y la ubicación de una figura humana en relación a la roca, ayudan a explican el título y el simbolismo utilizado por el pintor. Nótese también, en la parte inferior izquierda del cuadro, un abrazo entre Salvador y su padre. En relación con la cabeza de león, Freud escribió que la presencia de un animal salvaje representa impulsos sexuales que la persona teme dejar salir.

En esta pintura Dalí muestra su destreza con las miniaturas. Emplea símbolos ya utilizados en "El Enigma del deseo: Mi madre, mi madre, mi madre. L Enigma del Desiderio" (1929) y en "El gran masturbador" (1929). En la caja de la izquierda, un hombre dispara a una roca que sangra. El estilo es el de Rene Magritte, cuya obra influyó en Dalí. Ambos pintores tuvieron la oportunidad de conocerse personalmente. En la caja de la derecha aparecen hombres en bicicleta con una piedra en la cabeza. Una escena similar, pero con novias llevando una roca, es el motivo de "Colloque Sentimental" (1944).

  Aquí, Dalí se inicia con sus famosos relojes blandos. El decía que no eran otra cosa que el queso Camembert del espacio y el tiempo, suave, extravagante, solitario y paranoico-crítico. En este autorretrato, un Dalí similar al que aparece en  "El gran masturbador" (1929), se encuentra inmóvil y con la lengua afuera. Aparte de los insectos, se encuentra aislado en un paisaje árido y caluroso. En estas condiciones, la percepción del tiempo y del espacio,  y el comportamiento de los recuerdos, adquieren formas blandas que se ajustan a las circunstancias. Veinte años más tarde en  "La desintegración de la persistencia de la memoria" (1952), Dalí descompone estas imágenes incorporando el conocimiento de las consecuencias del uso destructivo de la energía atómica.

 Esta pintura muestra los recuerdos prenatales de Dalí. El es el que cuelga de un hilo, cerca de otros objetos alusivos a su padre y quizás a su hermana y a su hermano.

Mujer soñando con la evasión, 1945

Sobre la tela, generalmente blanca, Miró transcribe los conceptos de un lenguaje ideal. Un lenguaje abierto y flexible, integrado por formas tipificadas y por formas más libres. En Mujer soñando su evasión conviven los signos codificados y la morfología imprevisible de la mujer, una caligrafía delicada y el gesto decidido. La distribución expansiva de los elementos del cuadro, con repeticiones rítmicas, contribuye al efecto dinámico de la composición.

  El acomodador del music-hall, 1925

 Más de cien cuadros realizados por Miró entre los años 1924 y 1928, conocidos como "pinturas de ensoñación", constituyen una producción caracterizada por elementos muy estilizados que evolucionan libremente en un espacio monocromo. Si bien el punto de partida está directamente vinculado a lo real, la magia de la atmósfera que envuelve estas obras las sitúa en un terreno claramente poético.

Retrato de una niña, 1919

El paisaje de Mont-roig despierta en Miró un inusitado interés naturalista, que se concreta en las denominadas pinturas detallistas, realizadas entre el año 1918 y el 1922. En Retrato de niña, confluyen la severidad de los maestros medievales y la delicadeza de las formas orientales, tan del gusto de la época, lo que confiere un especial lirismo y profundidad al rostro.

 RENE MARGARITTE

 POR: Edwing Antonio Garcia Ramirez

la modernidad ha sido el resultado de un extenso proceso histórico, que mostró tanto elementos de continuidad como de ruptura; esto quiere decir que su formación y consolidación se ejecutaron a través de un enredado proceso que duró siglos e implicó tanto acumulación de conocimientos, destrezas, fortunas, medios de acción, como la incursión de elementos nuevos: surgimiento de clases, de ideologías e instituciones que se gestaron, desarrollaron y fueron fortaleciéndose en medio de luchas y confrontaciones en el seno de la sociedad feudal. La modernidad como un todo, es decir una realidad tan diferente a aquellos periodos de la historia, donde se interrelaciona la cultura, la economía, lo social y lo político, pero también se interpretan y  progresan de manera desigual hasta llegar a un punto donde se reencuentran haciendo nacer de allí la moderna sociedad. El ser humano busco tal complejidad para finalmente definirse en la simplicidad de que siempre permaneció allí: su esencia, de esta manera  nos podremos acercar un poco al concepto de modernidad referente a la pintura y música de tal época.

Si bien el ser humano a finales del siglo XV logro su máximo punto en cuanto a ornamentación y coloraturas tanto musicales como en otras expresiones artísticas, fue ineludible la evolución  de un estilo confuso y en cierta forma sobrante a una simplicidad ambigua que aunque se basa en elementos concretos y contundentes como la esencia y composición del mismo ser humano, no transmite un concepto universal de su significado, ya que su contenido se torna subjetivo al criterio interpretativo de cada individuo, desprendiéndose así un millón de significados diferentes de una sola pieza.

La asociación entre música y pintura conllevan la intención romántica de dar prevalecía al sentimiento esplendoroso y deseoso de ser transmito buscando un lenguaje menos confuso y mas intuitivo para lograr su cometido.  En la pintura se deja de un lado la noción de razón y se da libre paso a la emancipación de un subconsciente que quiere plasmarse al fin en un mundo exterior, fragmentando paradigmas y refutando toda norma preestablecida que lo clasifique.

Salvador Dalí (1904-1989), manifiesta en sus cuadros figuras imposibles de concebir en un mundo verosímil, pero completamente comprensibles en el  interior de si mismo. Es así como se despliegan entonces las artes vanguardistas como el cubismo y el surrealismo, en las que después de los traumas póstumos a una devastadora guerra, la inconciencia pura tiene su auge y el subconsciente humano y el mundo de los sueños se revelan al fin en un mundo tangible. 

Joan Miró (1893-1983) afirma en una de sus apreciaciones, que le es difícil hablar de su pintura pues ella siempre ha nacido en un estado de alucinación. Y es así como el arte deja de ser una herramienta imitadora de una realidad conocida por todos y se convierte en el puente catalizador que nos conecta con un mundo abstracto e infinito en el que las posibilidades son reinventadas a cada instante porque un universo entero es creado cada vez que un artista permite que sus aptitudes estén al servicio de su alma.